조지아 오키프 아메리칸 페인터

조지아 오키프 (1887 년 11 월 15 일 태생, 미국 위스콘신 주 선 프레리 근처-1986 년 3 월 6 일, 뉴 멕시코 산타페에서 사망), 미국 화가, 자연 형태의 대형 회화, 특히 꽃으로 잘 알려진 미국 화가 그리고 뼈, 그리고 뉴욕시의 고층 빌딩과 뉴 멕시코 북부의 독특한 건축 및 조경 형태에 대한 그녀의 묘사.

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초기

오키프 (O'Keeffe)는 위스콘신 낙농장에서 6 명의 형제 자매와 함께 자랐으며 집에서 어린 시절 미술 수업을 받았습니다. 그녀의 학년 동안, 교사들은 그림을 그리고 그리는 능력을 인식하고 키 웠습니다. 고등학교 졸업 후, O'Keeffe는 전문 예술가가되기로 결심했습니다.

그녀는 처음 시카고 아트 인스티튜트 (1905 ~ 06)에 다녔다. 그녀는 뉴욕시로 가서 Art Students League에서 공부했습니다. O'Keeffe는 모방 적 현실주의, 그 당시 모든 표준 예술 학교 교과 과정의 기초를 형성 한 이미지 제작에 대한 접근 방식에 빠르게 능숙 해졌으며 1908 년 그녀의 유화 Untitled (William Merritt Chase 정물 화상 수상) 구리 냄비와 죽은 토끼) (1908). 그러나 그녀는 모방 사실주의 전통 내에서 화가로 자신을 결코 구별하지 않을 것이라고 믿었 기 때문에 화가가 되겠다는 약속을 포기하고 시카고에서 상업 예술가로 취직했습니다.

1912 년 그녀의 가족과 함께 오키프는 샬럿 츠빌 버지니아 대학교에서 미술 교사들을위한 여름 강좌에 참석했으며, 뉴욕시 컬럼비아 대학교의 Alon Bement of Teachers College에서 가르쳤다. Bement는 Teachers College, 예술가 및 예술 교육자 Arthur Wesley Dow에서 동료의 당시 혁명적 인 사고로 그녀를 알게되었습니다. 다우는 모더니스트의 아이디어를 통해 예술가의 작품의 주제는 개인적인 아이디어와 느낌이어야하며, 선, 색상 및 노탄 (일본의 빛과 어둠을 배열하는 시스템)의 조화로운 배열을 통해 가장 효과적으로 시각화 될 수 있다고 생각했다.

다우는 모방 적 사실주의를 거부하고 아시아 문화의 미학을 옹호하면서 그의 아이디어는 아마도 오키프와 친숙한 화음을 쳤다. 그녀는 초등 및 중등 학교에서 학생으로 사용한 미술 매뉴얼을 통해이 미학에 대해 직관적으로 감사 한 것으로 보입니다. 다우의 접근 방식은 모방 적 현실주의에 대한 대안을 제공함에있어 전문 예술가가 되고자하는 오키프의 소망을 다시 불러 일으켰다. 그녀는 텍사스 주 애 머릴로 (1912-14)의 공립학교에서 미술을 가르치고 버지니아 대학교 (1913-16)에서 여름 동안 Bement의 조교로 일할 때 이러한 아이디어를 다루었습니다.

떠오르는 모더니스트

1915 년 가을, 뉴욕에서 다우와 1 년간 공부 한 후, O'Keeffe는 사우스 캐롤라이나 컬럼비아에서 컬럼비아 대학의 교직을 수락했습니다. 그곳에서 그녀는 다우의 원리에 대한 탐구를 계속하면서 순전히 개인적인 표현 수단을 찾고 3 번-스페셜 (1915 년)과 같은 작품을 만들기 위해 추상화로 향했다. 그렇게하면서, 그녀는 다우의 가르침을 초월하고이 새롭고 혁신적인 이미지 제작 방법을 다루는 소수의 미국 및 유럽 근대 주의자 중 한 사람이되었습니다.

1915 년 후반에 그녀는이 그림 중 일부를 Teachers College의 전 동급생에게 우송했습니다. 1916 년 초반에이 사진을 받아 즉시 사진가이자 임프 레서 리오 알프레드 스티글리츠 (Alfred Stieglitz)가 운영하는 291 년 뉴욕시의 유명한 전위 갤러리로 가져갔습니다. 그가 본 것에 감동 한 Stieglitz는 1916 년 5 월 291 년에 그룹 전시회에 10 장의 그녀의 그림을 포함 시켰으며 1917 년 4 월 그녀의 작품의 개인전을 후원했습니다.

1916 년 가을, O'Keeffe는 West Texas State Normal College의 미술 부서 책임자로 텍사스 캐년으로 이사했습니다. 이후 그녀가 완성한 작업은 웨스트 텍사스의 광대 한 평원과 열린 하늘, 특히 인근 팔로 두로 협곡의 극적인 경관 구성에 대한 심오한 반응을 보여줍니다. 무엇보다도, 그녀의 시대 그림, 특히 일출과 작은 구름 II (1916 년), 저녁 별 VII (1917 년), 그리고 평원에 오는 II 번 빛 (1917 년)과 같은 그녀의 수채화는 그녀의 계속성을 드러냅니다. 표현의 수단으로 추상화와 매혹.

뉴욕

병으로 인해 오키프는 1918 년 2 월에 가르치지 않고 휴직을했으며 1 년 동안 그림 활동을 지원하겠다는 스티글리츠의 제안을 받아들이 겠다는 직책을 사임했다. 그녀는 6 월에 뉴욕으로 이사했습니다. Stieglitz는 결혼했고 약 24 년 동안 O'Keeffe의 선배 였지만 두 사람은 사랑에 빠져 함께 살기 시작했습니다. 그들은 뉴욕과 조지 호수에있는 도시와 Stieglitz 가족 단지 사이에서 시간을 나누었고 Stieglitz가 이혼을 받았을 때 1924 년에 결혼했습니다.

1916 년부터 1946 년에 사망하기까지 Stieglitz는 오키프와 그녀의 예술을 홍보하기 위해 적극적이고 효과적으로 일했습니다. 그는 1910 년대 미국 예술이 유럽 예술과 동등하고 여성이 남성 예술과 동등한 예술을 만들 수 있다고 주장하면서 동료들 사이에서 홀로 있었다. 그러나 그는 창조적 인 과정을 성적인 에너지와 동일시했으며, 처음부터 오키프의 작품을 주로 젠더 측면에서 정의하여 그녀의 이미지를 성적으로 해방 된 여성의 시각적 표현으로 선언했습니다. 1921 년에 그는 오키프 (O'Keeffe)로 만든 많은 사진을 전시함으로써 자신의 아이디어에 시각적으로 동등한 것을 제공했습니다. 많은 사람들이 누드 또는 옷을 벗고 다양한 단계로 그녀를 선물했으며 때로는 그녀의 팔과 손으로 몸짓으로 묘사하면서 추상적 인 그림과 그림 앞에서 포즈를 취했습니다.

오키프의 추상화와 그녀의 몸을 연결 한 스티글리츠 (Stieglitz)의 오키프 (O'Keeffe) 추상화와 그녀의 몸과의 연관성은 그녀의 다음 전시회에 대한 평론 (1923 년 앤더슨 갤러리 (Anderson Galleries)의 스티글리츠 (Stieglitz)에 의해 회고 된 회고)에 대한 비평의 상상을 사로 잡았습니다. 그때부터 그의 죽음까지 Stieglitz는 Anderson Galleries (1924–25), Intimate Gallery (1925–29) 및 American Place (1929-46)에서 O'Keeffe의 작품 전시회를 매년 개최했습니다. 자신을 운영했다. 1920 년대 후반, O'Keeffe는 뉴욕에서 가장 유명한 모더니스트 예술가 중 한 사람이되었으며 Stieglitz는 재정적 안정과 독립을 즐기면서 자신의 작품을 위해 충분히 강력한 시장을 만들었습니다.

1918 년 뉴욕에 도착한 후, O'Keeffe는 Red & Orange Streak / Streak (1919)와 같은 추상 미술을 계속해서 만들어 냈습니다.이 작품은 그녀의 경력에서 가장 상상력이 풍부하고 도발적인 작품 중 하나입니다. 그러나 1919 년에 그녀는 사진 이미지뿐만 아니라 그녀의 작품에 대한 Stieglitz의 아이디어에 대한 인식이 높아짐에 따라 정확하게 묘사되고 인식 가능한 형태를 그리기 시작했습니다. 오키프 (O'Keeffe)는 20 세기 초 미국에서 가장 급진적 인 페미니스트 조직인 내셔널 우먼 파티 (National Woman 's Party)의 회원이었다. 따라서 그녀는 여성이 본질적으로 특정한 성격 특성을 가지고 있다는 본질적인 개념을 거부했다. 따라서 그녀는 자신의 작품에 대한 성적인 해석은 물론 Stieglitz가 자신이 만든 성적인 대중 이미지에 강력하게 반대했습니다. 그녀는이 공개 이미지를 재구성하기 위해 1923 년 Anderson Galleries 전시회 이후 자신을 진지하고 열심히 일하는 전문가로 홍보하기 시작했습니다. 출판 된 인터뷰와 Stieglitz와 다른 사진 작가들이 만든 그녀의 사진에서, 그녀는 1921 년 그녀의 작품 전시회에서 Stieglitz가 그녀에게 제시 한 것과 반대되는 공개 이미지를 만들기 시작했습니다.

오키프는 그녀의 추상화가 그녀의 예술에 대한 오해의 주요 원인이된다고 믿었 기 때문에 그러한 작품의 제작을 축소하고 1923 년 이후 Stieglitz가 조직 한 그녀의 작품 전시회에 포함시키는 것을 제한했습니다. 그녀는 근대주의 추상화를 기본 원칙으로 포기하지 않았습니다. 그녀의 작품은 1920 년대 중반까지 인식 가능한 형태의 화가로 자신을 재정의하는 데 중점을 두 었으며 오늘날까지 가장 잘 알려져 있습니다. 그녀가 인식 할 수있는 주제에 대한 그녀의 후속 묘사는 타원, 고리 모양 또는 V 자형, 나선을 포함하여 그녀가 1910 년대에 자신의 것으로 식별 한 추상적 형태로 가득 차있었습니다. 그녀의 대형 꽃 그림 (확대경을 통해 보여지는 것처럼 정확하게 표현되고 표현됨)은 종종 비평가들에 의해 그녀의 예술의 기초로서 여성의 본성에 대한 추가 증거라고 선언되었습니다. 그러나이 작품들은 대개 꽃의 중심에주의를 기울 였는데, 대부분의 경우 안드로이드 성이며 독점적으로 여성적이지 않습니다. 오키프는 1920 년대 자연과 인간이 만든 형태를 모두 다루면서 Black Iris (1926)와 Radiator Bldg.-Night, New York (1927)과 같은 그녀의 가장 독특한 그림을 제작했습니다. 그녀의 모든 그림은 모더니스트의 미학에“더 적을수록 좋다”고 말하고 많은 사람들이 자르기 및 클로즈업보기와 같은 사진에 내재 된 조작에 의존하기 때문에 사진, 모더니즘 아이디어 및 아시아 예술의 미학.

그녀가 뉴욕에서 경험 한 전문적이고 예술적인 성장에도 불구하고, 오키프는 1920 년대 말까지 도시의 역 동성이나 레이크 조지 호수의 울창함이 그녀의 창조적 인 노력을 유지할 수 없다는 것을 알고있었습니다. 그녀는 예술에 대한 새로운 자극을 추구해야 할 것과 Stieglitz에 대한 충성심 사이에서 1929 년 여름 뉴 멕시코에서 그녀의 예술에 대한 작업을하기로 결정했습니다. 그녀는 1917 년에 처음 방문했던 풍경을 재촉했습니다. 웨스트 텍사스 풍경이 1910 년대에 있었던 것처럼 그녀에게; 실제로, 그것은 수년간 그녀의 창의력을 유지할 것입니다.