차례:
미술사 신고전주의 - Neoclassicalism (할 수있다 2024)
고전과 신고전주의, 예술, 역사적 전통 또는 고대 그리스와 로마의 예술을 기반으로 한 미학적 태도. 전통의 맥락에서 고전주의는 고대에서 생산 된 예술 또는 고대의 예술에서 영감을받은 나중에 예술을 의미한다. 신고전주의는 항상 나중에 만들어 지지만 고대에 영감을받은 예술을 말합니다. 따라서 고전주의와 신고전주의라는 용어는 종종 같은 의미로 사용됩니다.
서양화: 신고전주의
신고전주의는 회화와 1760 년대에 시작된 다른 시각 예술 분야에서 널리 퍼져 있고 영향력있는 운동이었으며, 그 높이에 도달했습니다.
형질
미학적 인 태도를 언급 할 때 고전주의는 일반적으로 고대 예술과 관련된 이러한 특성, 즉 조화, 선명도, 구속, 보편성, 이상주의를 불러옵니다. 고대 예술에 대한 높은 평가 때문에“클래식”은 때때로 그 예가 그 유형이 최고라는 것을 의미하기 위해 사용됩니다 (예: 빌라의 고전적인 예). 또한,“고전적인”은 때때로 어떤 역사가와 미학자들이 모든 스타일의 주기적 발전으로 보았던 것의 규칙적인 특징으로 식별 된 발달 단계를 나타내는 데 사용되기도합니다. 이러한 계획에서 고전적 단계는 스타일이 최대한 조화롭게 표현되는 순간입니다. 이 단계는 일반적으로 기본적이거나 덜 완전하게 구현 된 단계를 따르고 스타일이 원래의 강력 함을 잃고 때로는 의미없는 정교화되는 "유인", "바로크"또는 "파괴적인"단계보다 앞서는 것으로 생각됩니다. 골동품 사례를 의도적으로 모방 한 서양 미술사 단계는 일반적으로 신고전주의라고 불립니다.
서구 전통에서 고전주의 시대는 고대 모델에 대한 존경을 공유하지만 시대와 장르 (그림, 건축, 문학 및 음악과 같은)에 따라 해당 모델의 해석 및 적용에있어 다양 할 수 있습니다.. 시각 예술에서 고전주의의 미학적 태도와 관련된 일반적인 특성 외에도 고전 예술가는 좀 더 구체적인 특성을 선호하는 경향이있다. 여기에는 선 위 색, 곡선 위 직선, 정면도 및 대각선 컴포지션의 깊은 컴포지션 및 특정 영역에 대한 닫힌 구성이 포함됩니다. 그럼에도 불구하고, 예술가들이 고대를 언급 할 때마다, 그들은 고대에 제공했던 것을 다른 방식으로 해석하면서 그들 자신의 시대의 문제와 이상을 가져 왔습니다. 고전주의는 역사적으로 극의 반대편 중 하나로 여겨져왔다. 이러한 극성은 미적 또는 비판적 반대 (고전적 대 낭만적, 고전적 대 아방가르드)를 지정하거나 역사적 반대를 나타낼 수 있습니다 (다음에서 각 쌍의 첫 번째 용어는 고전주의: 르네상스 대 고딕의 미학적 특성을 구현하는 것으로 간주됩니다), 높은 르네상스 대 매너 니스트 및 포우시 니스트 대 루벤 니스트).
건축과 시각 예술
고전 전통은 중세 시대에 소멸되지 않았지만, 15 세기와 16 세기 이탈리아 인들이 고대의 고전주의를 흡수하려는 단호한 노력으로 인해 이탈리아 르네상스는 고대 이후 철저한 고전주의의 첫 번째시기였습니다. 15 세기 건축가 Leon Battista Alberti는 고전주의와 아름다움을 동일시하고 건축의 아름다움을“고대 작품 연구를 기반으로 한 잘 확립 된 규칙을 따름으로써 달성 된 모든 부분의 조화와 일치”로 정의하고 더 나쁜 것을 제외하고는 추가하거나 빼거나 변경할 수 없었습니다.” 그는“조각가는 추방을 통해 가능한 한 많은 노력을 기울여야한다고 말했다… 베어링… 그림, 삶과 성격… 그 사람의. " 그림에서 예술가들은 사람을 영화 롭게하는 주제를 선택하고 대표되는 행동에 적합한 인물을 사용하며 자연계에서의 행동의 모습을 모방해야했습니다. 시각 예술에서 르네상스의 고전주의는 미켈란젤로의 다비드 (1501 ~ 04; 피렌체의 아카데미아), 발파 사르 카스티 글리 오네 (1516; 파리 루브르 박물관)의 초상화와 도나 토 브라만테의 팔라 초 카프리 니 (1510 년 로마); 파괴됨).
로마의 고대와 르네상스의 예는 이탈리아에서 다음 2 세기 동안 고전주의의 표준을 제공 한 반면, 17 세기 프랑스에서는 알베르티의 이론과 함께 프랑스의 주요 예술가들을 정화 된 고전주의로 이끌었습니다. 그림에서 니콜라스 푸신 (예: Phocion의 매장이있는 풍경 [1648; 루브르])과 건축의 François Mansart (예: Val-de-Grace 교회 [1645-67; 파리; Jacques Lemercier와 함께)가 특히 중요했습니다. 18 세기 영국에서 이탈리아의 안드레아 팔 라디오 (Andrea Palladio)의 작품과 논문을 바탕으로 건축의 고전주의는 로마 고대와 르네상스 로마를 바탕으로 19 세기 초까지 영국과 미국 건축에 널리 퍼진 고전주의의 표준을 제공했다. (예: 1725 년에 시작된 미들 섹스의 Chiswick House, Burlington 경; 버지니아 주 샬로 츠빌에있는 Monticello의 Thomas Jefferson)은 1809 년에 완공되었습니다. 조슈아 레이놀즈 경과 같은 영국 화가들의 학문적 기대는 르네상스 고전주의에서 비슷한 수준의 영어와 미국 회화를 지배하는 수업을 제공했습니다.
18 세기 중반, 고전주의는 두 방향에서 공격을 받고있었습니다. 고전주의와 아름다움의 권위있는 방정식은 숭고한 갈망에 의해 도전 받았으며, 낭만적 인 환상, 암시 적 암시, 기괴한 발명은 고전주의의 명료 함과 존엄성보다 더 높은 가치를 얻게되었다. 마찬가지로, 로마의 지지자들은 로마의 유물이 인정한 우월성에 도전했습니다. 예를 들어, 고대 예술가 인 요한 윙켈 만 (Johan Winckelmann)은 그리스 조각에서“고귀한 단순함과 조용함”을 보았고 예술가들에게 그리스인을 모방하여 자연을 모방하도록 권고했다.. 조각에서이 프로그램은 특히 Antonio Canova가 뒤따 랐습니다. 한편, 그림에서 Jacques-Louis David는 라파엘과 오거스타 로마의 공식적인 표준을 다시 세우고, 고전주의를 화가들이 렌더하기 위해 요구 된 새로운 호의적이고 찬성하는 주제를 제공하는 도구로 바꾸었다 (예: 호 라티의 맹세 [1784; 루브르]]. 명확한 형식과 고귀한 내용의 정확한 묘사와 밀접한 일치와 함께 구속, 위엄, 단순함은 Pablo Picasso, Aristide Maillol 및 Henry Moore와 같은 후기 예술가의 많은 작품에서 고전주의를 계속 구성했습니다.
18 세기 중반 이후, 건축의 고전주의는 합리주의와 연결되었다. 그리스, 로마, 르네상스 모델에 대한 존경심으로 다양한 신고전주의가 만들어졌다. 20 세기 초에는 고전적인 조화, 비율 및 부품의 합동성에 대한 요구가 다양한 스타일에 적용되는 새로운 기술에 적용되었습니다. 건축가 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)와 루드비히 미스 반 데르 로에 (Ludwig Mies van der Rohe)는 고전적인 문체 특성을 현대의 문제와 재료에 적용하는 두 가지 방법을 설명했습니다.
다른 예술
문학과 음악의 고전주의 시대는 일반적으로 시각 예술의 고전기와 일치했습니다. 예를 들어, 문학에서, 고전주의의 첫 번째 주요 부흥은 르네상스 시대에 시세로의 산문이 특히 모방되었을 때 발생했습니다. 17 세기 프랑스는 시각 예술과 마찬가지로 풍부하고 다양한 문학 고전을 발전시켰다. 극작가 Pierre Corneille과 Jean Racine은 철학자 Blaise Pascal과 René Descartes와 함께 특히 중요했습니다. 영국에서는 문학보다 고전주의가 프랑스보다 늦게 생겨서 18 세기 존 드라이든과 알렉산더 포프의 저서에서 절정에 이르렀다. 고트 홀드 에브라임 레싱, 요한 볼프강 폰 괴테, 프리드리히 쉴러는 독일 고전 문학 운동의 주요 인물이었습니다. 20 세기 초 TS 엘리엇과 신비 평론의 지지자들은 형식과 훈련에 중점을 두어 고전 주의자들로 간주되기도했다.
음악에서 위대한 고전 시대는 18 세기 후반에 일어 났으며 독일의 유럽 지역 인 조셉 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 크리스토프 글럭, 젊은 루드비히 반 베토벤 작곡가들이 지배했습니다. 그들의 음악은 세련되고 세련되고 선율 적입니다. 그들의 시대에는 악기 음악이 처음으로 성악보다 중요해졌습니다. 이러한 음악과 정규화 된 "클래식"형식에 대한 관심은 심포니 오케스트라, 실내악 앙상블, 피아노 및 다양한 작곡 형식의 표준화로 이어졌습니다.
