아르누보 예술 스타일

영국에서이 스타일의 직접적인 선구자는 일러스트 레이터 인 오브리 비어 슬리 (Aubrey Beardsley)의 미학, 유기 라인의 표현 적 품질에 크게 의존 한 윌리엄 모리스 (William Morris)의 예술과 공예 (Arts and Crafts) 운동은 응용 예술에서 중요한 스타일의 중요성을 확립했습니다. 유럽 ​​대륙에서 아르누보는 화가 Paul Gauguin과 Henri de Toulouse-Lautrec의 표현 라인 실험에 영향을 받았습니다. 이 운동은 부분적으로 일본 판화의 선형 패턴 (ukiyo-e)에 대한 유행에서 영감을 얻었습니다.

아르누보의 독특한 장식적인 특징은 꽃 줄기와 새싹, 덩굴 덩굴손, 곤충 날개 및 기타 섬세하고 풍성한 자연 물체의 형태를 취하는 물결 모양의 비대칭 선입니다. 라인은 우아하고 우아하거나 강력한 리듬과 채찍 모양의 힘으로 주입 될 수 있습니다. 그래픽 아트에서 선은 다른 모든 그림 요소 (형태, 질감, 공간 및 색상)를 자체 장식 효과에 종속시킵니다. 건축과 다른 플라스틱 예술에서, 3 차원 형태의 전체가 유기 선형 리듬에 휩싸여 구조와 장식이 융합되었습니다. 건축은 특히 장식과 구조의 합성을 보여줍니다. 예를 들어, 기둥과 빔이 덩굴손이 퍼져 두꺼운 포도 나무가되고 창문이 빛과 공기 및 막의 성장을위한 개구부가되는 통일 된 인테리어를 만들 때, 철제, 유리, 세라믹, 벽돌과 같은 재료의 자유로운 조합이 사용되었습니다. 유기 전체의. 이 접근법은 전통적 이유와 구조의 명확성의 건축 적 가치에 직접적으로 반대되었다.

아르누보 스타일로 작업 한 많은 예술가와 디자이너가있었습니다. 가장 두드러진 것 중 일부는 스코틀랜드의 건축가이자 디자이너 Charles Rennie Mackintosh였습니다. 그는 주로 기하학적 인 라인을 전문으로하며 특히 오스트리아 Sezessionstil에 영향을 미쳤습니다. 벨기에 건축가 헨리 반 데 벨데 (Henry van de Velde)와 빅터 호르 타 (Victor Horta). 미국 유리 제조업 자 Louis Comfort Tiffany; 프랑스 가구 및 제철소 디자이너 Louis Majorelle; 체코 슬로바키아 그래픽 디자이너 예술가 Alphonse Mucha; 프랑스 유리 및 보석 디자이너 René Lalique; 식물과 같은 아르누보 (Art Nouveau) 철제를 사용하여 전통적으로 건축 된 건물을 장식 한 미국 건축가 Louis Henry Sullivan; 스페인 건축가이자 조각가 인 안토니오 가우디 (Antonio Gaudí)는 아마도 가장 독창적 인 운동가 인 건물로, 건물을 커브, 불길한, 밝은 색상의 유기 구조물로 변형시키기 위해 라인에 의존하는 것을 넘어 섰습니다.

1910 년 이후 아르누보는 구식이며 제한적이며 일반적으로 별개의 장식 스타일로 버려졌습니다. 그러나 1960 년대 스타일은 부분적으로 뉴욕 현대 미술관 (1959)과 Musée National d' Art Moderne (1960)에서 개최 된 주요 전시회와 대규모 전시회에 의해 재구성되었다. 1966 년 런던 빅토리아 앤 앨버트 박물관 (Victoria & Albert Museum)에서 열린 Beardsley에 대한 대규모 회고전.이 전시회는 비평가들이 종종 지나가는 경향으로 여겨지는 운동의 상태를 19 세기 후반의 다른 주요 현대 미술 운동의 수준으로 높였다. 세기. 팝과 옵 아트에서 운동의 흐름이 다시 활성화되었습니다. 인기있는 영역에서 아르누보의 꽃이 많은 유기농 라인은 록과 팝 앨범 표지 및 상업 광고에 사용되는 패션과 타이포그래피에서 새로운 환각 스타일로 부활했습니다.